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巴黎聖母院浴火重生，五年修復完工盛大開放！揭開修復背後的全新發現

2024-12-21

by LiLY H ART GALLERY with No Comment slider

2024-12-13｜撰文者：非池中藝術網張家馨編輯整理

擁有八百多年歷史的地標性建築巴黎聖母院（Cathédrale Notre-Dame de Paris）在2019遭遇祝融之災，經歷數年修復後終將於本月8日重新對外開放。為了迎接歷史性的一刻，當天舉行兩場天主教彌撒迎接信徒與遊客的到來，約有1500名各國貴賓共同見證聖母院重開的歷史一刻，其中亦包含了美國總統當選人川普（Donald John Trump）以及烏克蘭總統澤倫斯基（Volodymyr Zelensky）。

2019年4月一場突如其來的大火摧毀了聖母院的尖塔及部分屋頂，此一消息震驚全球，但是起火原因目前仍未查明。然而為了修復這座已有850多年的歷史古蹟，巴黎聖母院的修復工程成功募集到34萬名來自150個國家的捐贈者，共8.46億歐元的修復資金。整個修復工程規模空前，共動員超過兩千名工匠參與，歷經五年的努力才得以完成。

巴黎聖母院大教堂的中殿。圖 / Stephane de Sakutin/AFP/Getty Images

12月8日彌撒時，由巴黎大主教洛朗·烏爾里希 (Laurent Ulrich) 主持祈禱。圖 / Julien De Rosa/AFP/Getty Images
12月8日第一場彌撒。圖 / Pascal Le Segretain/Getty Images for Notre-Dame de Paris
巴黎聖母院屋頂的木造桁架已有800年歷史，在火災中完全燒毀，重建工程需要約1,200棵橡樹來取代原有的木材。而尖塔的重建遵循原始設計，並在頂端安裝了一隻象徵重生的鳳凰風向標，取代了先前的金色公雞。這隻鳳凰內部藏有從火災中保存的宗教聖物及參與修復者名單，標誌著大教堂的重生與未來的延續。此外，尖塔下方的十二使徒與四位《新約》福音書作者的銅雕像，由於事發時被移除進行修復而倖免於難，將於2025年初重新安放於大教堂。

2019年4月巴黎聖母院遭受祝融之災後的鳥瞰圖。圖 / Gigarama.ru/AP
法國總統艾曼紐·馬克宏（Emmanuel Macron）在宣布修復完成的消息時表示：「聖母院歷經八個世紀的風雨，見證了兩次世界大戰及無數動盪。重建聖母院的決定展現了我們的能力與決心，也體現了保護文化根基的重要性。」他同時透露，未來將落成一座全新的巴黎聖母院博物館，完整記錄修復過程與大教堂的歷史。此外，還計劃邀請當代藝術家為南側設計六扇新的彩色玻璃窗，為聖母院注入現代藝術的元素。

法國總統艾曼紐·馬克宏（Emmanuel Macron）向 2000 名會眾發表演說。圖 / Thibault Camus/Pool/AFP/Getty Images
自修復計畫啟動以來，聖母院的重建進展一直受到全球關注，同時也因為期間遇到疫情使得工程有所延宕。火災後的初期，專家團隊首先穩定建築結構，確保殘骸不受自然損害，隨後才逐步修復磚石、拱門、彩繪玻璃、壁畫及巨大的管風琴等。重新開放後，巴黎聖母院每日預計迎來多達40,000名遊客，這座世界著名的地標將再次成為信仰、藝術與文化的中心。

考古新發現巴黎聖母院的建築秘密

與此同時也因著這一次的修復機會，考古學家得以深入探索這座建築的歷史與結構奧秘，並意外地發現逾千件藝術品碎片及百座新增墓葬，將這座聖堂的墓葬記錄數量推升至五百座以上。這些意外收穫不僅揭示了中世紀工匠的卓越技藝，也進一步解開了巴黎聖母院的建築秘密。

荊棘王冠被認為是巴黎聖母院最珍貴的文物之一。 1263 年，聖路易將它從聖地帶到巴黎，火災發生當晚由消防員成功救出，但玻璃盒在此過程中被打破。而法國藝術家 Sylvain Dubuisson 為其重新設計了一個新的聖物箱。Stephane de Sakutin/AFP/Getty Images

巴黎聖母院教堂內部的彩色玻璃窗花。圖 Stephane de Sakutin/AFP/Getty Images
此次挖掘得益於法國的預防性考古法規，其允許在可能因工程施工而受影響的地點進行科學研究。相關考古工作於2022年2月展開，由法國國家預防性考古研究所（INRAP）負責，並由考古學家克里斯多夫·貝斯涅（Christophe Besnier）領導的團隊執行。此次的考古在原定僅限於教堂石地板以下16英吋的範圍，且作業期限僅五週，但是卻在挖掘過程中遺跡的豐富程度大大超出預期，成為巴黎聖母院修復史上的重要篇章。

在巴黎聖母院火災後進行的重建前考古工作中，考古團隊發現了許多珍貴的文物和建築細節。其中，最令人矚目的是一座鉛製石棺，根據其位置和形制，考古學家推測這可能是16世紀詩人若阿希姆·杜·貝萊（Joachim du Bellay）的長眠之地，但仍需進一步的科學分析來確認。此外，考古團隊還挖掘出多座真人大小的石灰岩雕像殘件，其中包括一尊保存較為完整的耶穌基督雕像頭部，以及部分13世紀聖壇屏（Jubé）的碎片。這些碎片上仍可見當時的彩繪痕跡，展現了中世紀雕塑藝術的精湛工藝。

2024 年 7 月，修復人員在聖母院大教堂新尖塔木結構周圍的鷹架上施工。圖 / Joel Saget/AFP/Getty Images
而針對燒毀後的橡木樑木研究揭示，中世紀工匠選用了樹齡約百年的橡木，並使用稱為「Doloire」的特殊斧頭進行精密切割和塑形。木材上的繩索磨損痕跡顯示，這些巨大的樑木很可能是透過水路，沿著塞納河以木筏或船隻運輸到巴黎聖母院的建築工地，並且大量使用鐵夾（iron cramps）來連接石塊，是巴黎聖母院建築技術上的一大創新。這些鐵夾不僅增強了石造結構的穩定性，使其能夠支撐更高的建築高度，也展現了當時金屬工藝的發展水平。

作為首座廣泛使用鐵作為建築材料的哥德式教堂之一，巴黎聖母院的最古老夾鉗可追溯至1160年代初期，這項技術革新對後來的哥德式建築產生了深遠的影響。考古研究也發現，13世紀合唱團區域的建材有重複使用的情況，例如部分石塊明顯來自更早期的建築結構，這反映了中世紀建築師在資源有限的條件下，已具有可持續利用的意識。

圖盧茲大學醫院的研究人員正在檢查巴黎聖母院出土的的石棺和骨架。根據專家研究，這具石棺很可能是法國文藝復興時期詩人約阿希姆·杜貝萊。圖 © Denis Gliksman/Inrap

這具人形鉛石棺是在 2019 年火災後對巴黎聖母院挖掘時發現的。圖片來源：© Denis Gliksman/Inrap
巴黎聖母院屋頂內部。Image Courtesy of Histovery
此外，挖掘工作還揭示了當時工匠如何運用力學原理，透過柱子與橫梁等構件組成的巧妙承重系統，有效地將建築重量分散，確保了結構的穩固和持久。這些重要的考古發現，不僅為研究人員提供了更全面的巴黎聖母院歷史圖像，也驗證了橫廊玫瑰窗等中世紀遺跡的真實性與技術價值，更進一步鞏固了巴黎聖母院作為哥德式建築傑作在歷史、藝術和文化上的卓越地位。
巴黎聖母院修復時所搭建的鷹架。Image Courtesy of Histover

2024「臺北白晝之夜」11月2日盛大登場，活動亮點搶先一覽！

2024-10-19

by LiLY H ART GALLERY with No Comment slider

2024-10-16｜撰文者：台北市文化局 / 非池中藝術網編輯整理

即將邁入第九年的2024年臺北白晝之夜，將於11月2日下午2點至11月3日凌晨2點，在大安區盛大登場，今年以「夜行動物派對」為主題，探索城市與自然生態的連結。今（16）日舉行活動公布記者會，臺北市政府林奕華副市長、文化局蔡詩萍局長、法國在臺協會新聞暨公關處Vincent Yanelle處長、王閔生議員辦公室主任、大安區鄭裕峯區長、華聲里陳金花里長、2024白晝之夜藝術總監陳怡潔、策展團隊、贊助單位及響應機構代表都到場來共襄盛舉。

2024臺北白晝之夜活動記者會上，臺北市政府林奕華副市長、文化局蔡詩萍局長、法國在臺協會暨公關處Vincent Yanelle處長、王閔生議員辦公室主任、大安區鄭裕峯區長、華聲里陳金花里長、2024白晝之夜藝術總監陳怡潔、策展團隊、贊助單位及響應機構代表都到場來共襄盛舉。圖 / 台北市文化局提供。
本次活動包含百場風格藝術展演，其中包括10場特色生態走讀、7場主題生態講座、萬物議會、扮裝遊行、百人搖擺舞等活動，除了主場域大安森林公園外，包含C-LAB臺灣當代文化實驗場、忠泰美術館、蒙藏文化中心、師大美術館、臺北科技大學藝文中心、臺北市立動物園、東區商圈、永康商圈、師大龍泉商圈、建國花市、玉市及假日藝文特區都將參與響應，策劃團隊將為參觀民眾打造多條不同個性的白晝遊走路線，並邀請大家至官網下載廖小子所設計的面具，彩繪變裝成專屬的夜行動物，於臺北白晝之夜當天獨創出屬於自己的遊走姿態。

林奕華副市長今日出席記者會中表示，感謝大安區內的商圈、藝文場域、學校、民間基金會及企業等全力響應白晝之夜的舉辦，今年是大安森林公園落成的三十週年，白晝之夜選在這裡作為核心基地格外有意義。白晝之夜有高達百場精彩的演出和互動內容，讓民眾能夠沉浸在藝術的氛圍中。策劃團隊還特別設計了一系列的生態走讀、生態講座、萬物議會等活動，讓大家在享受藝術饗宴的同時，更能認識這片土地的生態價值和重要性，進而共同珍惜、保護得來不易的成果。

左起2024臺北白晝之夜藝術策展人陳湘汶、表演策畫陳映慈、法國在臺協會新聞暨公關處Vincent Yanelle處長、林奕華副市長、文化局蔡詩萍局長、藝術總監陳怡潔。圖 / 台北市文化局提供。
法國在臺協會新聞暨公關處Vincent Yanelle處長致詞中提到，自2016年與臺北市政府合作舉辦以來，臺北白晝之夜已經成為法國在台協會非常重要的文化活動，它象徵了臺灣與法國之間的友誼，也象徵了民主雙方對於藝術家自由創作、自由表達的重視與支持。很高興今年的合作又向前邁出了一大步，這次臺北白晝之夜首次邀請巴黎白晝之夜的策展人，也是2022年和2023年巴黎白晝之夜的藝術總監：凱蒂．哈特（Kitty Hartl）來擔任客座策展人。除此之外今年活動裝扮遊行，歡迎大家自製動物面具，最有創意獎的得主，有機會獲得一張臺北－巴黎來回機票或由法國文化協會提供的免費法語課。詳細面具比賽內容及條件，近期內將在法國在台協會社群網站上公佈，期待11月2號星期六晚上和大家在大安森林公園見面！

2024臺北白晝之夜藝術總監陳怡潔指出，這次白晝之夜的卡司非常豐富多元，除了定點式的光影藝術裝置，也有遊走流動的互動表演設計。加上大安森林公園原本精彩的生態保育成果，策展團隊也特別安排專業團隊帶領民眾生態走讀，希望創造出一場不只有藝術同歡，而是更有環境意識態度的白晝之夜。

多元展演內容獻給白晝粉絲

陳怡潔總監進一步說明，從主題「夜行動物派對」開展而來的豐富活動內容，包括生態踏查、當代藝術、表演藝術、露天電影院、文創市集、藝文講演等，參與的團隊陣容堅強且涵蓋國內外。喜愛熱鬧場面的粉絲可關注以創造超現實想像聞名的舞團「何曉玫MeimageDance」、國內頂尖馬戲「創造焦點」與「發現特技劇場」。白晝鐵粉最愛百人搖擺舞「SwingTaiwan」等；針對聽團粉絲則準備了「巴奈、黑袍樂隊、春麵樂隊、XTRUX X Lujiachi、音速死馬 x 夜較瘦、陳沛元、烏尼德、圖孟其其格」等。甚至還有為暗黑族群設計，由「戴開成、瀟湘神」帶來的深夜都市傳說講演。多達百場的演出節目，相信能滿足各類型粉絲。

何曉玫劇團－極相林演出以盛重的儀式感開場，舞者象徵人、神、萬物的凝聚與分解，「極相林」則指涉大自然和人生經歷後達至的身心靈穩定。圖 / 台北市文化局提供。
創造焦點 – 搖擺裝置馬戲表演者運用肢體、特技、獨特裝置，讓觀眾能在情境裡隨著表演者的情緒引線移動，深入淺出用肢體與觀眾傳達，創造當下獨特的臨時反應與互動。圖 / 台北市文化局提供。

SwingTaiwan 社交搖擺舞成為都市人的日常交流語言，自然真誠、以舞會友，讓白晝之夜更拉近人們之間的距離。圖 / 台北市文化局提供。
而作為每屆白晝之夜重要協力夥伴的法國在台協會，今年也有更深化的合作。包含邀請前兩屆巴黎白晝之夜的策展藝術家Kitty Hartl擔任客座策展人，在亞洲首度展出《Animal Pride（法國動物大遊行）》，由20位身穿「普普雪怪」裝的滑輪舞者引領民眾穿越公園遊行，數百名頭戴貓頭鷹面具的參與民眾將緊隨其後，遊行過程中還會有打擊樂手為這場夜間漫遊增添歡快的節奏。此外，日本藝術家高田冬彥以超現實錄像作品《Dream Catcher（夢的捕手）》呼應生態主題。臺灣藝術團隊則有屢次受邀參與國際大型燈節的有用主張，獲得全聯福利中心大力支持，推出以自然生態循環為創作靈感的光影裝置《洄･尋》。擅長虛實互動的2ENTER貳進，以及郭嘉羚、陳怡如、詹昱筑等，帶來各具韻味的獨特作品。

貳進- Data Verse Taipei 夜間森林建構出結合臺北街景與大安森公園的…時資訊流竄其中，透過數位轉譯成各種3D物件與符碼，觀眾透過掃描QR code與作品即時互動。

大安區商圈、藝文場域參與白晝響應

大安森林公園適逢三十週年，作為白晝之夜活動基地同時，大安森林之友基金會也將在此舉辦生態博覽會Eco Fair，生態永續的主調性將一路延伸到夜晚，由眾森自然工作室主理生態系列包括7場「生態講堂」、10場「生態走讀」與「萬物議會」等活動。而以安森為核心，響應區域向外擴及建國假日花市、假日玉市、藝文特區。地標性的藝文據點包含C-LAB臺灣當代文化實驗場，已於10月開展的未來媒體藝術節及與白晝同日開展臺北數位藝術節，戶外沉浸式光廊Taipei Lumitree(敦南之森)推出「夜行動物派對：夢醒時分」節目。

再加上忠泰美術館、文化部蒙藏文化中心、師大美術館、臺北科技大學藝文中心等單位延長開放。地方商圈則包含東區商圈、永康商圈、師大龍泉商圈等，店家響應延長營業或推出白晝限定優惠。當天公園現場還有臺北市立動物園協同師大附中美術班學生策劃的特色動物身體彩繪；國家電影及視聽文化中心與洪建全基金會、富邦文教基金會共同支持的露天電影院；lululemon和白晝跨界合作推出的身心療癒課程等等。

有用主張－MIGRATORY·SEAR CHING 以自然界的循環為創作靈感，試圖呈現生生不息的狀態，如同不斷重複的遷徙與生命記憶的延續。圖 / 台北市文化局提供。
除豐富展演活動外，今年更積極推廣國際城市藝術交流。特別感謝忠泰美術館合作支持，於11月1日14:00-16:00 在忠泰講廳辦理講座，邀請曾於辦理東京六本木、巴黎、臺北辦理大型跨夜活動的策展人，暢談他們的策展心法與如何透過藝術行動塑造城市文化。此外，「藝術開放」也是每屆白晝的重要特色。此次由師大美術系蘇瑤華老師帶領師大學生共同策劃推出「哺光」計畫，解鎖活動場域附近藝術家和設計職人工作室，為民眾打開平日無法參與的幕後實境。

為顧及交通順暢和民眾安全，活動期間將進行道路交通管制。從11月2日（六）0時至11月3日（日）8時，大安森林公園周遭路段，包含信義路三段（信義路三段147巷－111巷）的北側慢車道1車道、建國南路二段（信義路三段－和平東路二段）西側1車道、新生南路二段（信義路三段－和平東路二段）東側1車道、和平東路二段（建國南路－新生南路）北側1車道進行封閉管制，期間內僅供行人通行。公車站位則取消大安國宅站（建國南路北往南方向）及大安森林公園站(和平東路東往西方向)。

活動期間內由於周邊停車位不足，請民眾多加利用捷運系統（淡水信義線大安森林公園站、文湖線大安站或科技大樓站）或搭乘公車前往。請駕駛人盡量利用外圍道路提前改道（東西向改行忠孝東路、南北向改行復興南路）、並於行經鄰近範圍時，配合現場交通指揮人員引導、減速慢行、活動期間歡迎民眾多加利用大眾運輸工具前往。造成行車用路習慣調整及不便，敬請民眾諒解配合。更多2024臺北白晝之夜各項活動訊息請上白晝之夜官網、臉書粉絲專頁及白晝之夜Instagram了解詳情。

北師美術館釋出重磅展覽消息，今年底推出草間彌生臺灣最大型個展！睽違9年重現近70件精選作品

2024-10-19

by LiLY H ART GALLERY with No Comment slider

2024-09-26｜撰文者：北師美術館 / 非池中藝術網編輯整理

國立臺北教育大學北師美術館將於2024年12月21日至2025年5月4日隆重推出「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」，以草間彌生與臺灣接觸的原點——特別重製1998年台北雙年展《圓點的強迫妄想》揭開序幕，聚焦她1951年至2005年間的重要創作轉折，展示近70組／件精選作品，涵蓋繪畫、版畫、拼貼、軟雕塑、大型裝置、行為展演錄像、服裝等多種創作形式。
草間彌生，《花強迫（非洲菊）》，1999，1’21_，彩色錄像、無聲，藝術家自藏，圖/北師美術館提供

1990年代，是草間彌生1973年自美國返日後，重回國際觀眾視野，而後大放異彩的關鍵時期。1993年，她成為首位於威尼斯雙年展日本館個展的當代藝術家；隨後五年，洛杉磯郡立美術館、東京都現代美術館接連舉辦大型回顧展，奠定草間彌生作為當代藝術大家的定位。1998年，草間彌生受昔時臺北市立美術館館長林曼麗及策展人南條史生之邀，於「臺北雙年展」創作巨型現地裝置《圓點的強迫妄想》，以七個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球滿佈北美館的中庭，是為草間彌生以巨大雕塑與公共空間對話的重要節點；該次展覽亦開啟這位風靡全球的藝術家與臺灣的頻繁交往。
草間彌生，《幻影的彼方》，1999，尺寸依場地而定，複合媒材，W Collection，圖/北師美術館提供

本展奠基於日本青森縣立美術館「從W Collection看草間彌生的軌跡與奇跡」之成果，北師美術館亦與草間彌生工作室緊密合作，除重製《圓點的強迫妄想》之外，並借展10餘組鮮少曝光的偶發展演紀錄及服裝展件，聚焦藝術家早期行為實驗對形塑其藝術生涯的重要性。總策畫林曼麗從「草間的綻放」、「圓點．原點」、「草間的蟄伏」及「Love Forever」四個子題切入，以草間彌生生涯中的創作探索與實驗為引，展現出草間彌生不斷挑戰自我、突破框架，透過作品與世界映照對話的企圖。
草間彌生，《無題（彩繪上衣）》，1968，60.0 × 160.0 cm，油彩、布，W Collection，圖/北師美術館提供

「草間的綻放」從1998年她首度受臺灣文化機構委託限地製作開始，呈現她在1985年後至1990年代頻受世界各地邀約，以鮮豔的色彩與大型裝置作品重回國際觀眾視野。「圓點．原點」回溯草間早期的創作軌跡，標誌性的圓點源自她童年的精神幻覺，是她連結自然、家庭和社會現實的視覺符號，也是她探索無限的創作原點。「草間的蟄伏」則聚焦她1973年返日後的創作歷程，身心上的恐懼、焦躁、絕望與想望，反映在多件粉彩、墨彩與拼貼形構的平面作品上。「Love Forever」則呈現草間在1960年代紐約前衛藝術圈的行為展演，這些激進的行動藝術作品，以反戰、性別、身體與愛為主題，挑戰當時的社會規範，激發了觀眾對當代社會的反思。
草間彌生，《自畫像》，1953，29.5 × 22.4 cm，粉彩、墨水、紙，W Collection，圖/北師美術館提供

除了觀眾熟悉的圓點與網狀圖案如《花》與《南瓜》等平面繪畫，此次展覽也將帶給你不曾見過的草間彌生：從小生長於長野縣松本市育苗場和採種場的她，時常聽見植物與其對話，因之將自身幻化為植物的《自畫像》（1953），甚至是試圖抹除物我界線的《花強迫（非洲菊）》行為錄像（1999）；將圓點滿佈人像和周遭環境的大型裝置《幻影的彼方》（1999），高跟鞋上交織填充了無數陽具形狀的軟雕塑《性的強迫妄想》（1997），以及60年代草間彌生於紐約策畫「乍現」（happening）行為演出時，設計繪製的《無題（彩繪上衣）》原件。
草間彌生，《性的強迫妄想》，1997，21.6 × 22.9 × 12.7 cm，複合媒材，W Collection，圖/北師美術館提供

「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』」關照草間彌生生命經驗與藝術語彙的錯綜交織，深入其創作實踐的發展「軌跡」，在探問藝術家何以持續開創嶄新可能的同時，也擁抱藝術與生命的「奇跡」。
草間彌生，《花》，1989，45.5 × 38.0 cm，壓克力彩、畫布，W Collection，圖/北師美術館提供

為了提供高品質的參觀體驗，本展將採預約時段售票制，觀眾需在購票時選定日期時段參觀。首波早鳥票特別回饋觀眾獨享指定月份任選日期時段參觀，自10月1日中午12:00起，限時七日，早鳥票快閃售價300元（原價380元），購票請上時藝多媒體官網與KKday，數量有限售完為止，歡迎及早搶票親身體驗草間彌生的創作軌跡與其生命的奇跡！

展覽資訊

草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005
總策畫｜林曼麗
策畫｜北師美術館團隊
展期｜2024.12.21-2025.5.4
地點｜國立臺北教育大學北師美術館
地址｜臺北市大安區和平東路二段134號
主辦單位｜國立臺北教育大學北師美術館
合辦單位｜時藝多媒體傳播股份有限公司
協力單位｜草間彌生工作室、臺北市立美術館、青森縣立美術館、廣島市現代美術館
借展單位｜株式會社草間彌生、臺北市立美術館、W Collection、MOMACON
贊助單位｜建銘投資股份有限公司、財團法人建弘文教基金會、美術館之友聯誼會

大英博物館彙集有史以來最完整的畢卡索版畫作品，揭示藝術家鮮為人知的創作面向

2024-10-15

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2024-10-08｜撰文者：非池中藝術網編輯整理

大眾知悉畢卡索除了繪畫以外，也透過雕塑、拼貼等其他方式創作，而版畫也在他的眾多嘗試之中，在畢卡索漫長的職業生涯裡面，一共創作了將近2,500件版畫作品。大英博物館更是將於2024年11月7日至2025年3月30日舉辦「畢卡索：版畫家」（Picasso：Printmaker）展覽，裡面匯集了畢卡索接觸的多種類型版畫，包括蝕刻版畫、凹版、平版和橡膠版…等，一共100多件作品，這些版畫顯示了畢卡索的生活，包括他與女性的複雜關係以及他與印刷商、出版商和其他藝術家的合作成果。同時也能夠看到畢卡索在未受到正式訓練的情況下，如何探索、使用這一媒介進行創作。
「347系列組件」（347 Suite）。圖/取自維基百科

《簡樸的一餐》（A Frugal Meal，1904）是畢卡索用一塊廢棄的金屬板所創作，這也是他第一次正式嘗試版畫製作，這件作品嘲弄了印象派慣以描繪的繁華咖啡館景象，畫中的一對瘦削且憂鬱的夫妻，他們的神態之間流露出一種無奈。自此之後，畢卡索在版畫創作上所使用的技術也時而在他的繪畫中留下影響。
《簡樸的一餐》（1904年）。圖/取自ARTNET

蒙馬特的貧民窟是巴勃羅．畢卡索（Pablo Ruiz Picasso，1881–1973）在巴黎的第一個居所，該處破舊的建築內群居著一群貧困的藝術家，那裡的環境讓畢卡索置身於社會底層的氛圍之中，而這階段正是畢卡索以其淒涼憂鬱的單色畫著稱的「藍色時期」，鮮少人知道的是，這時畢卡索的蝕克版畫同樣體現了他的藝術精神。
《跳躍的公牛》（1950年）。圖/取自ARTNET

畢卡索作品中的自傳性質意味著他為生活和愛情以及不同凡響的藝術視野提供了獨特的見解。本次展覽集結了這二十年來博物館的收藏成果，同時也顯示出大英博物館試圖想成為一個不只是以歷史文物為展示主軸的機構。當博物館在2016年收藏了19幅抽象版畫時，就宣稱館方已填補了畢卡索版畫作品中的「最後一個重要缺口」。而在展覽籌備過程中，博物館館長尼古拉斯．庫里南（Nicholas Cullinan）則表示大英博物館是擁有英國最完整的畢卡索版畫收藏的單位，截至目前為止博物館已經擁有了超過500件版畫作品。
《燈下的靜物》（1962年）。圖/取自ARTNET

由於畢卡索在整個生涯的大部分時間裡仍是專注於繪畫，因此對版畫的探索儘管強烈但通常是間歇性的，而他兩件最著名的版畫作品皆在此次展覽中一併呈現，它們就如同畢卡索的其他作品一般，充滿了欲望、戲謔和抽象的線條。

值得注意的是，展覽中呈現了他的「沃拉德系列組件」（Vollard Suite），這套新古典主義的蝕刻作品是他於1930年為藝術經紀人沃拉德所創作的100幅作品。儘管這些作品沒有單一的題材來源，但它們不僅暗示了古典神話，也參考了版畫歷史上的大師級作品。例如其中《牧神揭示一名女子》（Faun Uncovering a Woman，1936）這件作品就借鑒了林布蘭對丘比特和安提俄珀的描繪，並且將線條轉向具有個人風格的抽象造型，以此來體現自我投射的窺視慾望。
《牧神揭示一名女子》（1936年）。圖/取自ARTNET

另一個由大英博物館完整收藏的畢卡索版畫創作則是來自於他的「347系列組件」（347 Suite），這些作品是他在1968年間短短七個月內創作的347幅版畫。由於這些作品具有部分重複的題材，因此畢卡索有時一天能創作多達八幅，本次館方則是遴選了28幅做展出。這些作品展現出了原始的獸性，不掩飾的表現女性乳房和黑色的抽象塊面與線條。而在這系列中最著名的作品《畢卡索，他的作品與他的觀眾》（Picasso, His Work and His Audience，1968）中，畢卡索年邁的自我形象毫不掩飾地直面自己和觀眾。
《畢卡索，他的作品和他的觀眾》（1968年）。圖/取自ARTNET

「畢卡索：版畫家」這檔展覽揭示了畢卡索對於這種創作媒介的理解以及渴望實驗與創新的精神。該展的策展人凱瑟琳．唐特表示：「對於畢卡索來說，版畫作為自身藝術生涯中的一種表達形式，透過它藝術家能夠講述他們想要訴說的故事，並將想法、思路置入其中。鮮少有藝術家在那個時代對一個媒材有如此多的貢獻。」
《派克二世》（1959年）。圖/取自ARTNET

REFERENCE

Artnet
大英博物館官網

MoMA 現任館長格倫·勞瑞（Glenn Lowry）即將卸任，全球藝術界密切關注接班人選

2024-10-15

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2024-09-16｜撰文者：非池中藝術網張家馨編輯整理

作為全球著名美術機構之一的紐約現代藝術博物館（MoMA），於上週釋出重磅消息，即任職長達三十年的館長格倫·勞瑞（Glenn Lowry）將於2025年卸任。現年69歲的他，自1995年起擔任MoMA館長一職，當時年僅40歲，除了擁有伊斯蘭藝術學者的專業背景外，還曾任多倫多安大略美術館（Art Gallery of Ontario）的館長。

不過，令人意外的是，在2018年時，勞瑞宣布他計劃延續任期至2025年，這樣的決定打破了美術館內部規定，即首席策展人及其他高階管理人員需在65歲之前退休的慣例，成為該機構歷史上任期最長的領導者。對於此一先例，當時MoMA的發言人表示：「現有的退休政策過於僵化，未能提供足夠的彈性來保留優秀且經驗豐富的員工。」這樣的發表似乎讓勞瑞更有繼續留下來的理由。
MoMA第六任館長格倫·勞瑞（Glenn Lowry）。©MoMA
博物館主席瑪麗·喬西·克拉維斯（Marie-Josée Kravis）則對此退休消息作出回應，指出勞瑞的退休決定是雙方共同商定的。她表示，勞瑞的合約「本可以續約」，而曾有傳言稱他可能續任至2029年，如今，這些傳聞已被證實為不實，而美國最重要的現代藝術博物館將進入新一輪的領導更迭過程。

位於紐約曼哈頓的MoMA，引進1880年代歐洲油畫和雕塑，以至現代電影、設計、表演藝術等十五萬餘件作品，其中藏有眾多舉世矚目的明星級展品，是不少遊客不容錯過的參訪景點之一，每年平均接待約270萬名觀眾，使其成為美國第三大參觀人數最多的藝術博物館，僅次於大都會藝術博物館（Metropolitan Museum of Art）以及位於華盛頓的國家藝廊（National Gallery of Art）。
The Museum of Modern Art © 2019 The Museum of Modern Art, New York. Photo: Brett Beyer
能夠形成現在我們所看到的MoMA，勞瑞作為第六任且任期最長的館長，無疑扮演著舉無輕重的角色，帶領MoMA經歷了多次重大變革與發展，其中尤以2014年的擴建計劃為最具代表性。此項工程歷時五年，耗資4.5億美元，並於2019年圓滿落成，最終使博物館展覽空間擴增30%，可展示的作品數量增加約1000件。除了外部空間的擴展外，MoMA亦對內部展示進行了全面調整，促使策展內容變得更加多樣化，打破藝術、建築、舞蹈與電影等跨學科的界限，開起了更多有關當代藝術實踐的研究計劃。

然而，MoMA 的擴建計畫背後卻伴隨著一連串的負面批評。在爭取更多土地使用權時，MoMA 提議拆除美國民間藝術博物館（American Folk Art Museum），此舉一經公佈便引發了社會各界的抗議與質疑。雖然批評者普遍能夠理解 MoMA 對空間擴展的需求，但仍對該決策持堅定的反對態度，主要基於兩個原因：其一，擴建後的展示空間依然有限，這意味著大部分館藏仍將長期儲存於倉庫中，無法展示予大眾；其二，美國民間藝術博物館擁有13年歷史，其在紐約市擁有一定的文化遺產地位，而將這座珍貴的建築物交由像是MoMA這樣享譽全球的文化機構拆除，更讓人感到遺憾與失望。

The Museum of Modern Art Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden © 2023 The Museum of Modern Art, New York. Photo: Carly Gaebe / Steadfast Studio
最後雖然調整了部分擴建計畫的空間運用，卻仍然無法避免美國民間藝術博物館的拆除工程。此次的經驗雖然並非人人認同，但無疑的是，勞瑞的概念確實讓MoMA日後在展覽尺度上有著更多跨領域與創新的碰撞。就在經歷了為期五年的擴建計畫，MoMA卻在開展後的兩個月時間面臨全球疫情爆發的節點，與其他各地博物館一樣被迫休館暫停營業。少了門票的收入，預算也被大幅縮減，MoMA不得不進行裁員以減少固定開支。直至2023年，隨著疫情逐漸緩解，參觀人數才開始回升。

儘管面臨這些負面聲浪，勞瑞在其任內亦有顯著的成功舉措。例如，1999年，他將位於長島市（Long Island City）於1982年建立的第一所學校、後改建成的當代藝術空間「PS 1」，與MoMA合併，形成今日的「MoMA PS1」。但這一合併並非擴大原本MoMA的展覽場域，而是讓此空間保持它原有的獨立性，並且享有更豐富的資源，不拘泥於傳統藝術形式，而是聚焦在當代藝術中新興潮流、實驗性裝置、表演和跨學科的藝術形式，強調創意的突破和挑戰傳統。PS1也是夏季音樂和表演活動的舉辦地，吸引許多藝術愛好者和創意人士參與其中。

Exterior View, MoMA PS1。圖 / 取自Sothebys。

Interior View, Museum of Modern Art PS1。圖 / 取自Sothebys。
目前，關於接替勞瑞位置的討論愈發熱烈，誰會成為這座近百年歷史的第七任館長？業界普遍推測，哈林區工作室博物館（Studio Museum in Harlem）現任館長瑟爾瑪·戈登（Thelma Golden）有極大可能成為繼任者。由於該館正值一項重要擴建計劃的收尾階段，這一時機點恰如其分。

博物館專家指出，評估繼任人選的關鍵方式是考慮MoMA董事會所期望的領導特質，遴選委員會通常會尋找與現任館長性格相對不同的人選，其中考量的關鍵因素包括領導力、募款經驗、是否具備在主要市場中的工作經歷，以及與董事會的契合度。此外，人選所處的職業生涯階段也至關重要，尤其是新一代領導者正逐漸嶄露頭角，他們的創新觀點和領導風格很有可能成為MoMA董事會選擇繼任館長時的考量。

A view from the Agnes Gund Garden Lobby looking out onto the Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden. © 2023 The Museum of Modern Art, New York. Photo: Noah Kalina
對於各界的猜測，MoMA董事會表示將聘請專業的獵頭公司協助尋找新任館長。遴選委員會預計將由若干具有重大影響力的董事會成員組成，旨在尋求一位能夠既激發大眾興趣、能夠維護博物館穩定、具有權威並且具備領導能力的人選，其能夠在推動博物館創新與發展的同時，保持MoMA的美術館精神以及背負著為大眾推廣藝術的使命。

與此同時，也有人整理了下列名單，認為是MoMA下任館長的適合人選：邁阿密佩雷茲藝術博物館（Pérez Art Museum Miami）的館長富蘭克林·瑟曼斯（Franklin Sirmans）；位於華盛頓特區的赫希霍恩博物館與雕塑花園（Hirshhorn Museum and Sculpture Garden）的館長梅麗莎·邱（Melissa Chiu）；洛杉磯郡立美術館（Los Angeles County Museum of Art）的館長麥可·戈文（Michael Govan）；芝加哥當代藝術博物館（Museum of Contemporary Art, Chicago）的館長瑪德琳·格林斯泰恩（Madeleine Grynsztejn）；芝加哥藝術學院（Art Institute of Chicago）的館長詹姆斯·朗多（James Rondeau）。

Artnews也在日前特以整理一篇目前呼聲最高的幾位MoMA繼任館長候選人名單資料，參考請點此。

REFERENCE

ARTnews
Artnet
Artforum

在塗鴉的世界中構築自由恣意的遊戲人生：塗鴉藝術家夢裡那兔（MAR2INA）專訪

2024-10-15

by LiLY H ART GALLERY with No Comment slider

2024-10-08｜撰文者：張家馨

臺灣少數女性塗鴉藝術家「夢裡那兔」（MAR2INA，或稱夢兔），筆名源自德文名字MARINA，結合藝術家出生日期的「2月22日」成為具有個人特色的符號。她的畫作風格甜美中帶有冷酷氣息，個人特徵鮮明，其創作深受已故寵物兔子的影響，將對動物的思念融入作品中並以此為自我療癒的方式。經過時間沉潛，「兔子」已轉變成她創作中最具代表性的符號，以虛擬角色為視角，闖入各個由藝術家鋪張的奇想世界，引領觀者突破框架，遨遊在現實與想像的視窗之間。

夢裡那兔今年於德鴻畫廊舉辦了她第二場的個展－「夢裡那兔已上線」，作為當前備受矚目的塗鴉藝術家之一，夢裡那兔憑藉其作品中所展現的獨特美學與強烈個人風格，深受不少觀眾喜愛。展覽當日尚未正式開放之時，便已有眾多觀眾在場外等待進場，迫不及待一睹作品風采。此次展覽的主題源自於藝術家對電子遊戲的沉迷與熱愛，並透過她個人獨具一格的「叛逆美學」將其人生觀與遊戲世界融合，除了展現現實與虛擬之間的自由穿梭與反思，也賦予了塗鴉藝術更多元的語境與意涵。

夢裡那兔個展「夢裡那兔已上線」展場一景。圖 / 德鴻畫廊提供。

夢裡那兔個展「夢裡那兔已上線」個展開幕側記藝術家與觀眾互動。圖 / 德鴻畫廊提供。

奮勇前行的塗鴉精神

夢裡那兔可謂直至大學時期方才正式踏入美術領域，開始接受系統性的專業藝術訓練，在此之前，「繪畫」僅是她在日常生活中恣意揮灑的興趣。這般創作能量自幼逐步積累，潛移默化為她日後的創作奠定基礎。夢裡那兔回憶道，高中時期就讀了一個非自身興趣所在的科系，這段學習歷程並未激起她內在的創作熱情。相較之下，進入大學後，她逐漸意識到這是其學術生涯的最終階段，也是一個決定未來走向的關鍵時刻，抱著「不成功，便成仁」的心態，決定放手一搏選擇自己真正感興趣的方向走。

夢裡那兔個展「夢裡那兔已上線」展場一景。圖 / 德鴻畫廊提供。
進入大學後，夢裡那兔全力投入每堂課程的學習，珍視每一個汲取知識的寶貴機會。她回憶道，課後總是留在教室向教授請益，無論是設計、數位繪圖，還是架上藝術等領域，都希望能向多方藝術媒材展開更進一步的認識。也正是因為她多年來的摸索與努力，夢裡那兔在造型能力以及色彩配置皆有著嫻熟的掌控與應用，其作品中流暢的線條，與每一個物件之間都有著恰到好處的融合。值得一提的是，夢裡那兔與塗鴉藝術的結緣源自她對舞蹈的熱愛，因而頻繁涉足街頭文化。在這樣跨領域的藝術交錯中，逐漸開啟了她塗鴉藝術的創作歷程，並將其轉化為自成一格的視覺語言。

塗鴉藝術的起源可追溯至20世紀紐約市，當時年輕一代，尤其是少數族裔青年，將塗鴉視為一種自我身份認同的表達手段，以及宣洩對社會不公的抗議情緒，藉由在城市公共空間如地鐵站、街頭和建築物上「留名」，以此挑戰體制。然而，未經允許任意在公共場域塗鴉其非法行為，致使許多塗鴉創作者的真實身分成為一個謎，進一步增添了這一文化的神秘色彩與反叛特性。

夢裡那兔個展「夢裡那兔已上線」展場一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
隨著時代推移，塗鴉這一發軔於地下文化逐漸轉變，在社交媒體的推波助瀾下逐漸進入主流視野。最初帶有強烈反抗意識的塗鴉，如今已演變為一種具多重文化影響力的藝術形式。塗鴉也不再侷限於城市牆面、地鐵或鐵捲門等的展示範疇，創作的媒介也隨之擴展，逐步融入雕塑、裝置藝術乃至數位藝術等多樣形式，甚至進一步被應用於商業廣告、時尚設計等領域。許多城市也開始設立合法的塗鴉牆，賦予藝術家更大的創作自由與展現空間。

不平凡的遊戲人生

正因為塗鴉藝術的發源具有表達對社會的不滿，以及為了維護自我權益與向外發聲而存在，在創作上與其它藝術流派相比有著更大的尺度來表達自我。而在夢裡那兔的精神世界裡，「塗鴉」是一種自由，同時具備了表達自己、認同自己、講述自己的意味。她坦言，創作過程中較少事先設計草圖，而是任由思想與靈感自然在畫布上流淌，以最直觀、即時的方式呈現她內心的情感與思考過程。這樣的意識流，正體現了她所追求的塗鴉精神——一種毫無拘束的真實表達。回應到本次展覽規劃上，夢裡那兔以電玩遊戲的虛擬場景為背景，特別是她所創造的角色有大眼睛、色彩鮮豔的髮色與誇張的面部表情，顯然受到動漫與網路文化的影響，從而舒展出與真實世界縱橫交錯之理想、現實、超現實的三重想像，「遊戲」在天馬行空、不受限的向度中。

夢裡那兔個展「夢裡那兔已上線」展場一景。圖 / 德鴻畫廊提供。

夢裡那兔作品－〈Player 1〉，2024，壓克力顏料、噴漆於畫布，H45 X W45 X D2.5 cm。圖 / 德鴻畫廊提供。

夢裡那兔個展「夢裡那兔已上線」展場一景。圖 / 非池中藝術網攝影。
夢裡那兔所創作的作品，其角色、元素與場景交織展現出一種桀驁不馴的氣質，然而。這種表象之下卻潛藏著一股直率而強烈的內在力量，展現出她以率性且直觀的視角來審視世界。但是在這樣的表達基礎上，她並未忽視作品中的細節呈現。無論是場景的構圖安排、色彩的層次鋪陳、背景漸層色的效果、物件的指涉等處皆能看出其深思熟慮的安排。

夢裡那兔作品－〈Book Monster書怪〉，2024，壓克力顏料、噴漆於畫布，H92 X W73X D5 cm。圖 / 德鴻畫廊提供。
如同展覽入口處的作品〈Super MAR2INA〉所展現，夢裡那兔將大眾耳熟能詳的經典遊戲《超級瑪利歐》為背景，畫中的主角不再是遊戲中的經典角色，而是她標誌性的兔子形象。眼睛上方有著愛心符號，手握遊戲控制器，沉浸於虛擬的電玩世界，周遭有不同的容器、餅乾、酒瓶、可樂罐等日常物件，生命的脆弱與恆動在藝術家筆下以遊戲場景隱喻人生各個階段的演變與成長經歷。例如，瓶子上長出的無色之花，象徵著我們將面臨的各種課題與不可預測的未來；主角頭上的愛心髮飾則指涉遊戲與現實人生之間的本質差異——遊戲的虛構角色通常有著三條甚至以上之生命鏈；但是在現實中，我們的一生既無法復活也無從重來。畫面下方的洋芋片，由僅存一隻的螞蟻孤軍奮戰的搬移，寓意著個體在面對人生重大挑戰時的孤獨與自我承擔。

夢裡那兔作品－〈Super MAR2INA〉，2024，壓克力顏料、噴漆於畫布，H163 X W131X D3.5 cm。圖 / 德鴻畫廊提供。

夢裡那兔作品－〈Super MAR2INA〉細節。圖 / 德鴻畫廊提供。

夢裡那兔作品－〈Super MAR2INA〉細節。圖 / 德鴻畫廊提供。
〈New Player〉、〈Old Player〉是兩幅相對應的作品，同樣以電玩遊戲的概念為基礎，捕捉從遊戲初期到後期角色心境的轉變。〈New Player〉象徵遊戲的起始階段，透過累積金幣以及獲得基本物品等的方式，這些外在的獲取成為推動角色前行、解決每一關難題的動力；與之對應的〈Old Player〉則為遊戲後期後心境蛻變，角色不再執著於具體寶箱的外在獎勵，而是將焦點轉移至過程中的自我實現與內在成就感。作品背景的線條運用充滿流動與瞬間，似乎暗示著內心深處的碎片化經驗，而在藝術家回顧創作歷程之時，這些細微的線條與變化恰如其分地描繪了她自我成長的痕跡。

夢裡那兔作品－〈New Player〉，2024，壓克力顏料、噴漆於畫布，H117 X W91.5 X D5 cm。圖 / 德鴻畫廊提供。

夢裡那兔作品－〈Old Player〉，2024，壓克力顏料、噴漆於畫布，H117 X W91.5 X D5 cm。圖 / 德鴻畫廊提供。
另外，作品〈My Mom’s Computer〉呼應了早期Windows系統的經典預設桌布。夢裡那兔在此作延續了兒時與母親共用電腦時的記憶，那些枯燥單一的桌面是母親無暇更換的象徵；雜亂堆積著數以百計的檔案和應用程式，則是夢裡那兔在網路上下載遊戲與音樂等資料，未經過歸類整理的情緒，呈現出世代之差使用電腦習慣的不同。畫中主角慵懶地依偎在由草地築起的被窩裡，與當今世代的御宅文化結合，卻也是夢裡那兔埋首在創作之外的另一個私領域。
夢裡那兔作品－〈My Mom’s Computer〉，2024，壓克力顏料、噴漆於畫布，H73 X W92 X D5cm。圖 / 德鴻畫廊提供。
從戶外牆面走向畫布的過程，少了噴漆大塊面積的揮毫，夢裡那兔的作品卻多了更多對於媒材質地的處理以及細節的刻畫。可以觀察到，噴漆並非夢裡那兔唯一的創作媒材，在本次個展中有許多作品都是結合了壓克力顏料來做詮釋。有著噴漆滴流後形成的線條、羽化後的邊緣線營造出輕盈且微妙的過渡感，均勻的色澤則為整體作品增添了深度和層次感；同時也有著壓克力彩的薄塗的筆刷，展現出精緻的細節與富有變化的紋理，層次的線條則在視覺上形成了動態的對話，既具備結構性的力量，也不乏流動的柔韌。
夢裡那兔個展「夢裡那兔已上線」展場一景。圖 / 德鴻畫廊提供。
展覽資訊
藝術家 Artist｜夢裡那兔 MAR2INA
展期 Duration｜2024.9.21 (Sat.) – 2024.10.19 (Sat.)
開幕 Opening｜2024.9.21 (Sat.) 15:00 pm
展覽開放時間 Exhibition Opening Hours｜(Tue.)～(Sat.) 11:00am-19:00pm
地點 Venue｜德鴻畫廊（台南市中西區中山路1號）