《覺光遠照—淨空老法師文物展》7月1日於中正紀念堂盛大呈現逾百件珍貴文物

2023-08-03

by LiLY H ART GALLERY with No Comment slider

2023-07-21｜撰文者：羲之堂文化藝術有限公司

《覺光遠照―淨空老法師文物展》緬懷老法師不平凡的人生經歷，本展將於2023年7月1日至8月20日在中正紀念堂一樓3展廳展出，開幕典禮訂在7月1 日上午10時30分舉行，展出墨寶、文獻手稿、往來書信、文房器用等逾百件珍貴文物，向大眾展示其對世界宗教和平的貢獻及對佛教的深遠影響，誠摯邀請各界共襄盛舉。

《覺光遠照―淨空老法師文物展》展出老法師使用的袈裟念珠等文物。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供策展人陳筱君女士為主辦方華藏淨宗弘化基金會董事長悟道法師導覽。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供

淨空老法師，法名覺淨，字淨空，1927年出生於中國安徽省廬江縣，俗名徐業鴻。1953年先後追隨一代大哲方東美教授、藏傳高僧章嘉呼圖克圖與儒佛大家李炳南老教授，學習經史哲學以及佛法十三年，於佛教淨土宗著力最多。

淨空老法師《大佛頂首楞嚴經．清淨明誨章》。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供淨空老法師倡導世界宗教是一家。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供淨空老法師《賢公老和尚開示》。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供

二十世紀英國歷史學家湯恩比博士曾說：「欲解決二十一世紀的社會問題，唯有孔孟學說與大乘佛法。」淨空老法師為世界宗教領袖，也是佛陀教育的實踐者，畢生為教、無我無私，是促進人類和平偉大的教育家。老法師逾六十年來每天講經說法從無間斷，留下了大量的錄音、影像資料，並透過網路媒體傳播到全世界，全球至少有三億多觀眾收聽。他的佛教以儒釋道為主並蘊含著多元文化的教育理念，其一生致力於宣揚倫理道德因果教育，以「團結宗教、族群為世界和平的基礎」之理念，深深感動了全世界無數的仁人志士，期望天下人皆能持有仁慈博愛之精神，落實和諧社會的大同理想，並為這個世界帶來正面影響。

淨空老法師《何謂佛陀教育》。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供

《覺光遠照—淨空老法師文物展》展覽各分區的亮點：「淨公道影」單元中特別精選老法師各個時期重要照片，以彰顯「教學為先」及「和平使者」兩個部分的事功，並與大事記年表的歷史照片互相呼應連結。「文物留珍」陳設情境式的展區，展出老法師常使用的袈裟、念珠、講經架等文物，讓我們得以重溫過往聆聽老法師講經教學的日子。「法水長流」展出老法師充滿文化內涵，字字是正法的珍貴墨寶，同時透過其書法墨跡，傳授佛陀覺行圓滿的清淨智慧。此外還有「文獻手稿」、「往來信札」，呈現出老法師行遍天下的弘法足跡，以及提倡世界宗教是一家，宗教之間能夠平等對待、和睦相處的理念，為促進世界和平做出貢獻。

淨空老法師常用文房器物。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供淨空老法師講經情境文物留珍。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供

在淨宗一代尊宿淨空老法師圓寂週年紀念之際，主辦單位希望藉由此次展覽，向大眾展現老法師效法佛陀聖哲的誠敬人生。應邀出席開幕式的嘉賓有國民黨朱立倫主席、連勝文副主席、奉祀官孔垂長會長等各界人士，一同追念這位「學為人師，行為世範」的佛教行者。

策展人陳筱君女士於展覽現場導覽。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供展場播放淨空老法師紀錄短片。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供法水長流呈現老法師的珍貴墨寶。圖/財團法人華藏淨宗弘化基金會提供

【覺光遠照—淨空老法師文物展】

Great Lights of Enlightenment Exhibition
Display of Personal Items of Venerable Master Chin Kung
展覽地點：中正紀念堂一樓3展廳 National Chiang Kai-shek Memorial Hall 3rd Exhibition Hall
展覽地址：台北市中正區中山南路21號

展期 : 2023.7.1-8.20
開放時間 : 9:00-18:00
開幕式：2023.7.1(六) 上午10:30

大衛·霍克尼（David Hockney）時隔27年於東京的首大型個展登場，富藝斯九月份隨將舉槌藝術家完整拍場

2023-07-30

by LiLY H ART GALLERY with No Comment slider

2023-07-27｜撰文者：非池中藝術網張家馨編輯整理

東京都現代美術館（Museum of Contemporary Art Tokyo）於本月15日至11月5日舉行大衛·霍克尼（David Hockney，1937-）大型個展，此展由東京都現代美術館及《讀賣新聞》主辦，是睽違27年之後藝術家在日本的大型個展。東京都現代美術館收藏了藝術家約有150件作品，1996年美術館開館之初曾舉行過「David Hockney: Prints 1954 – 1995」一展，而本次的個展是藝術家美術館充分合作下實踐完成的，精選了霍克尼代表性作品，追溯了藝術家數十年來的職業生涯，將是日本有史以來舉辦的霍克尼最全面的展覽。

大衛·霍克尼在2023年時曾在倫敦舉行沉浸式展覽「David Hockney：Bigger & Closer（not smaller & further away）」一展。」圖為霍克尼於展場一景。圖 / 取自New York Times。

霍克尼1937年出生於英國，目前大多在法國諾曼第（Normand）創作。曾就讀布拉德福德大學（University of Bradford）藝術學院和倫敦皇家藝術學院（Royal College of Art，RCA），1964年移居洛杉磯後，憑藉著描繪陽光明媚的加州生活而受到國際的關注。2017年，英國泰特美術館、龐畢度藝術中心和紐約大都會博物館為他舉辦了一場大型作品回顧展，以紀念他80歲的生日。此檔展覽打破泰特美術館參觀人數的紀錄，吸引了約50萬名參觀者。

現年86歲的霍克尼仍然活躍於藝壇，在他創作生涯這六十多年來，對圖像本身進行了深度的探索和實驗，其媒材更是擴及繪畫、素描、版畫、攝影和舞台設計等多個領域，並在新媒體技術盛行之下開始以平板及AI人工智慧，發展出一系列的數位繪畫。此次個展精選了藝術家約120件作品，包括他在英國及洛杉磯創作的多件代表作、近期創作的大型系列作品《春之降臨》（The Arrival of Spring），以及在疫情期間利用iPad繪製長達90公尺的畫作，而他最新描繪的自畫像也將首次於大眾面前亮相。

大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景。© David Hockney大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景。© David Hockney大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景。© David Hockney

本次展覽將分成八個展區，首先先以藝術家早期的創作脈絡看起。1959年，霍克尼就讀倫敦皇家藝術學院，在抽象表現主義和普普藝術席捲西方藝術世界的時代，年輕的霍克尼即便學習了各種繪畫學派，仍致力於發展自己的表達方式，並非追求某種特定的潮流，從而發展出獨樹一格的創作形式而受到眾人關注。1964年，霍克尼搬到洛杉磯後，受到南加州輕鬆休閒的生活氣氛而啟發，在畫裡呈現陽光反射濺起亮光的泳池表面，或者是草坪灑水器噴出的細緻水花。霍克尼多年來補捉了光線不斷變化的狀態，以及水在不同容器與時間下產生的效果，也因此開啟了他對繪畫材料與描繪形式的探索。

霍克尼也描繪了大量的肖像畫，其中最具代表性的「雙人肖像畫」〈克拉克夫婦和波西〉（Mr and Mrs Clark and Percy，1971）紀錄了藝術家的織品設計師夫婦。霍克尼描繪的肖像畫主要以家人、戀人和朋友為主，反映了他細微且沉著的觀察力，以藝術家個人的觀看視角記錄下身旁每個人的特徵與個性。

大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景，圖中作品為〈克拉克夫婦和波西〉（Mr and Mrs Clark and Percy，1971）。© David Hockney大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景。© David Hockney。大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景。© David Hockney。

霍克尼說「我不想太多地重複自己，而是找到一些新鮮、新奇的事物。」這席話正如霍克尼曾表示出對二十世紀藝術大師畢卡索，在其藝術生涯中不斷改變和發展自己藝術風格的崇敬之情。因此在霍克尼80年代創作的攝影拼貼系列，以及《移動的焦點》（Moving Focus）系列，借鑿了畢卡索發展立體主義時期，在二維的繪畫表面對中心視角提出了徑向的質疑，和中國畫卷軸具有極端的縱向或水平格式，必須展開才能觀看，透過不同角度捕捉事件或風景的來講述自己眼前的所見之物。

霍克尼某次在墨西哥旅行時汽車突然拋錨，不得不在附近的酒店過夜休息。在這樣的巧合之下，他被酒店後院帶有頂棚的拱廊和噴泉給吸引，並開始拿起畫具創作，在後院中來回遊走觀察，捕捉了不同角度的景觀最終形成了一張完整的圖像，並在這樣個過程中發現視點的移動會為畫面及空間感帶來新的可能。圖 / 取自Kunstmuseum Luzern。

2010年，霍克尼購入他的第一台iPad，與此同時也為他的藝術創作開闢出新領域，並於隔年發表以iPad創作的系列作品《The Arrival of Spring, Woldgate, East Yorkshire》，描繪英國東約克郡的風景，記錄了從冬天到夏天的地景電話。「我對iPad的瞭解越多，就越意識到用他來畫風景是多麼奇幻的媒介。」自此之後，霍克尼的創作有了新的嘗試，該系列作品也將在此次東京的個展中呈現給觀眾。

大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景。© David Hockney。
大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展場一景。© David Hockney。

在東京個展開展之際，國際拍賣行富藝斯（Phillips）也宣布將延續去年霍克尼主題拍賣創下白手套的佳績，於9月20日於倫敦再度舉辦霍克尼的拍唱，其拍賣作品將在9月14至20日於富藝斯倫敦伯克利廣場總部公開展出。2022年9月，該拍賣行舉行霍克尼的拍賣專場，成交額超過390萬美元，拍品全數售出，其中50%的作品打破拍賣新紀錄。

根據Artsy整理的數據，霍克尼前19名的拍賣成績均來自於過去五年所創下，其中2018年於佳士得登場的〈藝術家肖像（泳池與兩個人像）〉（1972），以27.3億台幣的高價售出，使霍克尼成為身價最高的在世藝術家。而該幅作品的買主是在今年才被得知為臺灣國巨集團董事長陳泰銘先生，收藏單位為國巨基金會，其作品也將於今年與泰德美術館合作舉行其基金會收藏作品一展「捕捉瞬間──繪畫和攝影之旅」（Capturing the Moment–A journey through painting and photography）中亮相。

〈藝術家肖像（泳池與兩個人像）〉（1972）。圖 / 取自Christies。大衛·霍克尼於東京都現代美術館個展展覽主視覺。©東京都現代美術館。

REFERENCE

東京都現代美術館
 Kunstmuseum Luzern

彼得·保羅·魯本斯遺失多年的名作再現，專家學者揭露出畫作下的歷史細節

2023-06-28

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2023-06-21｜撰文者：非池中藝術網王襦萱編輯整理

彼得．保羅．魯本斯爵士（Peter Paul Rubens，1577-1640）的〈聖塞巴斯蒂安受兩位天使照料〉（Saint Sebastian Tended by Two Angels）在18世紀著名的收藏家脫手之後，藝術界失去所有與此作相關的消息，直至20世紀才在密蘇里州的一場拍賣上再度出現。起初它曾被歸屬於法國畫家勞倫特．德拉．海爾（Laurent de la Hyre，1606-1656）的作品，然而蘇富比的學者和專家團隊使用X光技術觀察了畫作的顏料表面之下以及繪畫技術，最終認定它實屬魯本斯的作品，同時也證明這件作品絕非贗品。如今它將在七月初倫敦的蘇富比拍賣會上進行拍賣，而這張畫初估價值為400萬至600萬英鎊。
彼得·保羅·魯本斯，〈聖塞巴斯蒂安受兩位天使照料〉。圖取自Artnet。

這幅畫描繪了塞巴斯蒂安（Sebastianus）的困境，他是一名羅馬軍官，也是一位皈依基督教的人。畫中成為宗教迫害受害者的塞巴斯蒂安被綁在樹上，被士兵的箭射傷，且遺棄在那裡靜待死亡，直到奇蹟伴隨兩位天使到來。學者以及專家表示，這幅畫作可能是在1606-1608年間在義大利或1609-1610年間在安特衛普完成的，儘管學界的說法尚未完全一致。但魯本斯與斯皮諾拉家族（Spinola family）的密切聯繫始於他1604年首次到達熱那亞省（Genoa），並且持續到他1608年底返回安特衛普（Antwerp）。

專家們推斷這幅畫作極有可能是由安布羅西奧．斯皮諾拉（Ambrogio Spinola，1594-1630）委託的，安布羅吉奧和魯本斯不僅是同時代的人，兩人也透過共同感興趣的外交、政治和藝術保持友好聯繫。斯皮諾拉是西班牙軍隊的總司令，他最重要的軍事成就是在1625年重新攻佔了布雷達。在這之後不久，魯本斯為他繪製了幾幅肖像畫，其中包括現今收藏於布拉格國家美術館（Národní galerie v Praze）的他穿著全副盔甲、佩戴金羊毛勳鏈的著名形象。
彼得·保羅·魯本斯，〈侯爵安布羅吉奧·斯皮諾拉肖像〉。圖取自Artnet。

此件〈聖塞巴斯蒂安受兩位天使照料〉的首次記錄出現在安布羅西奧的兒子菲利普．斯皮諾拉於1655年的遺囑中，在接下來的八十年裏面，僅在家族世代間傳承。隨著安娜．斯皮諾拉在1731年繼承了這幅畫作，當時繼承權落到了家族裡的女性上，往後便無法通過斯皮諾拉家族的姓氏來追蹤。

透過先前的X光分析還可以發現，這幅畫竟是魯本斯另一件重要作品的「原始版本」，在數個世紀中一直由義大利科爾西尼家族珍藏，現在展於羅馬的科爾西尼美術館（Galleria Corsini）。科爾西尼收藏的版本尺幅更大，尺寸為153 x 118公分，且畫面中有四個陪伴的天使，額外的兩個幾乎可以斷定是後來添加的。早年畫布被黏貼到一塊木板上，但它已經從木架上脫落並重新繃上，作品的狀態相對來說略顯不佳。
彼得·保羅·魯本斯，〈聖塞巴斯蒂安受天使照料〉科爾西尼版本。圖取自Artnet。

藝術家在繪製斯皮諾拉版本時，則是在畫面的安排進行大幅度的修改和調整。魯本斯最初設想聖塞巴斯蒂安的軀幹扭向左側，他的右臂高舉過頭頂，而面部則朝下並轉向構圖的右側，覆蓋在聖人頭上的白色布料因含有較高比例的白鉛，在分析時最容易被看到修改痕跡。
彼得·保羅·魯本斯，〈聖塞巴斯蒂安受兩位天使照料〉局部。圖取自Artnet。

另外他的右腿，包括膝蓋，可以在樹幹下半部看到改動；同樣的，他左腿的其餘部分和軀幹也被高含量白鉛遮蓋。還有其他較小的變化，包括一根穿透聖人右腿的箭，在最終形式的畫作中被省略，以及呈跪姿的天使右翼上也可以看到調整。
彼得·保羅·魯本斯，〈聖塞巴斯蒂安受兩位天使照料〉局部。圖取自Artnet。

在構圖左下方的盔甲則是兩個版本都存在的。根據最後一次修復時的X光報告，畫中的盔甲區域被刮去了顏料，而在羅馬的科爾西尼美術館的畫作中，似乎沒有進行過這樣的修改，所以判斷盔甲從一開始就是規劃進去的構圖，這進一步確定目前的版本是在較早之前完成的。
彼得·保羅·魯本斯，〈聖塞巴斯蒂安受兩位天使照料〉X光版本。圖取自Artnet。

蘇富比全球古代名畫聯席主席喬治．戈登（George Gordon）表示：「這一發現證明了即使偉大藝術家的名字也可能會失傳於歷史。幸運的是，科學分析揭示了作品中迷人的歷史細節，加上專精的研究和頂尖學者的判斷，確實將這幅作品歸屬於那個時代最偉大的畫家之一，並且向我們展示了即使是藝術家最著名的作品，仍然有許多東西等待我們去發現。」

中國藝術家岳敏君過往作品再次引起關注，笑臉的背後醞釀了什麼涵義？

2023-06-07

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2023-06-05｜撰文者：非池中藝術網王襦萱編輯整理

岳敏君(Yue Minjun) ，中國當代畫家，出生於1962年，在20世紀90年代興起的玩世現實主義(Cynical realism)的關鍵人物之一，這個藝術運動由經歷過文化大革命（1966年-1976年）動蕩的藝術家主導，其中岳敏君以其標誌性的「笑臉人」畫作而聞名。這些作品透過描繪誇張的表情和無限複製的笑臉，一群面帶狂笑的人物，被認為是自畫像或者他的自我形象替身，以戲謔和諷刺的方式反映身處現代社會和人性的困境，展示了對其生活經驗的深思和對身處社會環境的批判，試圖引出個體在現代世界中的存在感以及壓力，既帶有尖銳的幽默感，又帶有自省的意味，喚起了觀眾對於人性種種的反思，同時也代表了中國的變革時代和崛起為全球經濟強國的歷程。

藝術家岳敏君。圖/取自Artnet
近期在北京唐人當代藝術中心舉辦的個展「幸福」，此次展覽呈現藝術家多年的創作，以其最廣為人知的《笑臉人》系列開篇，另包含了《場景》、《迷宮》等不同時期的作品，以及近兩年新創作的《花》系列作品，持續反映了人類在變幻莫測的現實中的心理狀態，展覽甫於今年2月中結束，卻在幾個月後因一位中國的脫口秀表演發生的爭議，使得他過去作品內容所引起的敏感層面再次浮出。

岳敏君個展「幸福」。圖/取自北京唐人當代藝術中心
〈球根海棠〉。圖／取自北京唐人當代藝術中心
今年5月，中國脫口秀演員李浩石在北京的一場表演中，講述了關於兩隻流浪狗的段子。在該演出中李浩石描述這對流浪狗追逐松鼠的場景，使他想起了那些能夠「塑造模範行為並奮力取勝」的人，台下觀眾哄堂大笑。而這段子幽默的背後，則是在諷刺習近平2013年創建中國人民解放軍時，宣揚的一句口號。演出結束不久後，這個笑話就被舉報給了警方，李浩石在短時間內失去了所有演出工作並被拘留調查。

自他被捕以後，中國國內甚至於香港，任何被認為對中國政府當局帶有不敬的聲音再次受到關注，政府開始進行了一連串的審查，而民族主義者以及部分群眾對岳敏君過去作品的疑慮，似乎與此趨勢相一致，因此再次將這番撻伐延燒至岳敏君，紛紛指責他先前創作的一系列畫作中帶有侮辱中國人民解放軍的意味。

然而，重新引起爭議的文章針對的是岳敏君的2007年作品〈陸海空—17號 Armed Forces- Planche No. 17 〉。這幅作品描繪了三個笑臉人，分別戴著代表中國人民解放軍陸軍、海軍和空軍的帽子。這些人物的頭上還有魔鬼的彎角穿刺出帽子之上。在中國社交媒體平台微博、微信和抖音中，批評岳敏君的貼文和評論不斷湧現。隨即，當地的思想單位－崑崙策研究院又在其官方的微信帳號重新發佈了一篇2021年的文章。該文章內容同樣是在批評岳敏君的作品對解放軍進行了侮辱，指責他玷污了軍隊的形象。此事開始延燒以後，與岳敏君作品相關且涉及解放軍的圖片在微博上被進行了大規模的審查；甚至有一些微博用戶呼籲全面禁止這位藝術家，應當禁止岳敏君參加今年10月舉辦的第十屆烏鎮戲劇節，因為他被任命為該活動的藝術委員會成員。

〈陸海空—17號 Armed Forces- Planche No. 17 〉。圖/取自Artnet
然而早在2012年岳敏君接受《紐約時報》（The New York Times）的採訪中，他談到自己的藝術創作並不是在譏笑任何特定的人，它們大多是某種「自我形象」，但他也坦承其作品同時也關注到一些社會現實的議題，它們在一定程度上象徵了社會中的人們面對現實的迷茫、矛盾和困惑。這些作品融合了諷刺、幽默和悲劇元素，以獨特的方式探討了人性、社會問題和權力關係等主題。在該次訪談中他說道：「笑臉是一種隱蔽的政治批判，這個社會裏，人被迫要戴上面具表示對一切都很滿意。」接著又進一步補充「微笑並不一定意味著幸福，它可能是其他的東西。而那種笑容，任何有經歷過中國最近經歷的人都能理解。」(“And that laugh—anybody who’s gone through Chinese recent experience would understand it.”)。
〈霞光〉。圖／取自北京當代唐人藝術中心

從藝術家發展至今的創作脈絡來看，多重「自我」形象並存，許多時候難以確立的辨別何者才是藝術家本我，於是這些反復出現的「自我形象(他)」強調著「我」，並以一種整體的面貌在場，對社會與自我的探索、觀察已深入至此，曾經那個緊繃皮膚的笑容彷彿在這樣的轉變中鬆弛了一些，正如同他從更為內化的方式出發去一一回應過往所見，展開了對「幸福」的重新理解。

REFERENCE

Artnet
The Washington Post

2023 Art Central 開幕：深入現場，分享10件精選作品及趨勢觀察！

2023-03-24

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2023-03-22｜撰文者：非池中藝術網編輯整理

2023年的Art Central於22日開幕，本屆展會移師至香港會議展覽中心舉行。以「中點」主展區、「過位」特選展位及「獨特」個人展覽三大展區為主體，呈現70餘間藝廊、超過300位藝術家的豐富作品。展會期間也規劃了異體：雕塑及裝置項目、青喉：開始攪動、楊永梁《極夜花火》與大華銀行藝術空間及藝術探索等等活動展區，展開了豐富的藝術饗宴。

2023 Art Central 展會入口。圖/非池中藝術網攝

值得關注的是，本屆的Art Central在維持海內外參展商比例的同時，更加強調香港當地藝術家的推廣，給予了許多新生代的藝術家們機會。並且可以明顯察覺到，由於公部門的大力支援，來自韓國的參展者比例大幅增加。這樣的現象再次展現了韓國官方，一步步要將「K ART」比照「K POP」向外文化輸出的企圖心。而本屆台灣並未有藝廊參與展會，與之相對也可以成為一個觀察公部門策略的指標。

【A10．A Gallery】

Angel Hui，《Embroidery on the plastic bag – Gold Fish 1》，Plastic bag, thread, red string，50×30 x9 cm,2022。圖/非池中藝術網攝

香港藝術家Angel Hui（1991-）作為一位新銳，近年在香港與北京發展藝術事業。擅長將具有東方意象的青花瓷、金魚等等意象，以多元的媒材形式轉換為具有當代詩意的藝術創作。在作品《Embroidery on the plastic bag – Gold Fish 1》之中，以傳統的工藝手法，出乎意料地在塑膠袋上進行刺繡。並且以機械裝置的技術，讓塑膠袋中、透明的液體隨著霓虹光線變化。以此回應著在繁華的中環酒吧、商業大廈之中，遊走於旺角金魚街、彷若置身於一個大魚缸的經驗記憶。這樣的記憶屬於藝術家，也同樣地回應著藝術家所處世代的共同記憶。

【A16．ATELIER AKI】

Jeong Seongjoon，《My precious acorn》，Oil on canvas，112.1 x162.2cm.，2022。圖/非池中藝術網攝

韓國藝術家Jeong Seongjoon（1981-）自美國完成學業後，就以感性與理性兼具的寫實油畫語彙廣受矚目。長期以來關注於自然動物與人類之間的關係，反覆地探詢兩者共存的可能。在作品《My precious acorn》之中，狐狸、北極熊與企鵝再次組團前往香港觀光。搭乘電車穿梭於這座繁華的人類城市，似乎試圖尋找某棵珍貴的橡子（Acorn）。細觀作品的用色，灰階與全彩巧妙地融合在了一起。而動物們頭頂的問號、車身上GOOD JOB標語和各處的文字符號，就像是某種隱然的警語。在看似和諧的視覺效果之中，以反諷的角度輕聲提醒著人類：應該對於大自然更加友善或謙卑一些。

【A27．Number 1 Gallery】

PAT YINGCHAROEN，《Angel and Demon》，Oil on linen，195 x 120 cm.，2023。圖/非池中藝術網攝

泰國藝術家PAT YINGCHAROEN（1993-）在泰國與新加坡完成學院訓練後，創作就備受肯定、並回到學院中擔任教職。創作的題材聚焦於宗教性的精神追求，經常在東方與西方的宗教形象中，重新構建新的劇情敘事。作品《Angel and Demon》延續著濃烈的群體關懷，以經典的天主教天堂意象為基礎，融合了知名的拉奧孔石雕、泰國佛教中的魔鬼面容、被換上惡魔翅膀的天使與受難的凡人等等符號構圖。在壓抑甚至晦暗的氣質中，本來應該二元均等的天使與惡魔彷彿失去了平衡。在沉重嚴謹的畫風之中，藝術家表述著對於所處社會的沮喪感與無力感。

【A32．Illuminati Fine Art】

明畫廊展場空間照。圖/非池中藝術網攝

 彭慧婷，《風》，水墨設色紙本，100x240cm，2016年。圖/非池中藝術網攝

來自香港的明畫廊（Illuminati Fine Art）帶來彭慧婷（1986－）的作品，其畢業於國立台北藝術大學美術創作研究所，主體以水墨設色紙本進行創作，並在層層堆疊的線條筆觸的畫面裡面，調和均質的色調與柔和的筆感，進而帶給觀者在快速變遷的當代都市裡面中，感受到平靜與溫暖的氛圍；而在畫面當中我們看到類似山水意境的結構，實際上是藝術家將樹、山石、流水等自然元素的重組後，進而再現的視覺語境。有趣的是，她的創作由於用色與筆觸堆疊層次豐富的關係，讓其媒材本身轉換成更具有厚度與肌理感，達到部分材質轉換的效果。

【B3．Alzueta Gallery】

Alzueta Gallery展場空間照。圖/非池中藝術網攝

Guim Tió，《無題》，油畫，57x48cm，2023年。圖/非池中藝術網攝

來自巴塞隆納、馬德里的Alzueta Gallery帶來西班牙近期受到歡迎的年輕藝術家Guim Tió（1987－）的作品。他的作品特色是藉由溫暖的色調，描繪許多看似侘寂的景緻，他的作品相當的詩意，闡述人類共同語境中，隱藏在內心深層對於孤單的感受，以及自我主體性和世界之間的對應關係。這些情感在他和緩的筆觸與色調當中，被以看似第三視角的方式記錄下來，進而闡述寂靜、自身一人的美學觀點，如其曾表述，真正讓這些場域美麗的元素，是肉眼無法看見的。

【B8．ART OF THE WORLD GALLERY】

Amador Montes，《Rain of Daisies》，Mixed media on canvas，170 x 140 cm，2022。圖/非池中藝術網攝

墨西哥藝術家Amador Montes（1975-）的藝術創作，一直以來與混血、原住民、歷史等等主題緊密連結。以繪畫為主要創作模式的藝術家，同時也將織品、攝影與陶藝等等經驗融入其中。作品《Rain of Daisies》具有文化象徵性的鳥類為底，在類似拼貼、圖鑑的構圖中寫下標語，並且降下了雛菊雨。梳理自身所承載的諸多文化元素，以略帶抗爭的語調真取著自我認同。一層一層地堆疊著記憶與時間，形成了一種無聲、典雅並且帶有沉重感的詩意。

【B24．Marc Straus】

Marc Straus展場空間照。圖/非池中藝術網攝

 ANTONIO SANTÍN，《Mea Culpa》，Oli on canvas，180x200cm，2023年，圖/非池中藝術網攝

來自紐約的Marc Straus 帶來ANTONIO SANTÍN（安東尼奧．桑汀，1978－）的作品，其技術最早可以追溯到公元前5世紀左右Zeuxis的作品，通常需要透過大量的勞動，達到數個月才可以完成。而當我們觀看其作品時，會發現藝術家巧妙的將裝飾掛毯，以戲劇性結合極度逼真的方式，表達出近似超現實主義的繪畫，也因此這樣看似逼真卻又有點矛盾的不自然狀態，讓觀者產生深度的錯覺感，像是雕刻般的形式與紡織品褶皺（揉皺是藝術家特殊的創作語彙）和陰影之間的畫面結構，一方面挑戰了繪畫平面性的框架，另一方面也讓人懷疑藝術家虛構的現實是否比你自己更真實。

【B25b．Over the Influence】

Gongkan，《Good Luck Bad Love》，Acrylic on canvas，10x20cm、20x50cm、80x200cm，2023年。圖/非池中藝術網攝

Over the Influence展場空間照。圖/非池中藝術網攝

來自香港，並在洛杉磯、曼谷、巴黎都有設點的Over the Influence帶來泰國藝術家貢坎（Gongkan，1989－）的新作。其2011年畢業於西爾帕克恩大學藝術學院碩士，並搬到紐約，在當地的廣告公司工作，閒暇之餘會進行街頭塗鴉創作。其作品最大的特點在於畫面的人物角色，是結合了泰國傳統佛教文化後，進而融合當代街頭文化元素，所創作出來一幅幅看似超現實主義之內容。另一方面，時間在其作品裡面占據主要的概念，像是孔洞經常出現在畫面中，並連結著人物身體，顯示時空穿越的效果。他藉由這樣的另類實景與改寫過去的方式，討論對當代語境的不同看法。

【B26b．Contemporary Tokyo】

TARTAROS JAPAN，《Automatic waterfall gold rock》，Mixed Media，144.8x100x3.5cm.，2022。圖/非池中藝術網攝

日本藝術家TARTAROS（1969-）擅長使用數位技術、雕塑與繪畫進行創作。竟且經常將金箔、鈔票以及浮世繪風格融合，表達對於當代經濟體制的觀察甚至控訴。各種各樣的構圖，一而再地講述著資本主義中，人們不斷追求更多金錢、甚至引以為信仰的百態。作品，《Automatic waterfall gold rock》直譯為「黃金岩石上的自動瀑布」。繽紛化、數位化、圖案化的構圖中，登山者抬頭仰望著風景。讓人不免疑問他們所望向的是山林或者黃金？風景或是利益？透過華麗的視覺，反思人性中隱晦、不想承認卻又真實的物質慾望。

【B29．021gallery】

Seongjoon Hong，《Study Layers 67》，Hanji, acrylic on canvas，130.1×130.1cm.，2023。圖/非池中藝術網攝

韓國藝術家Seongjoon Hong（1987-）的繪畫，熱衷於層層疊疊的視覺效果。近年的創作以類似便利貼的結構，在單一畫布中描繪了多層黏貼的視覺趣味。近年發展的《Study Layers》系列裡，遠方的天空與海洋被擷取在平面之中。它們看似遼闊、卻又處於框架之內。藝術家以此形式，自問著記憶是如何形成、紀錄、保存甚或遺忘？系列作品並不描繪記憶中的情感或劇情，而是聚焦於記憶本身的運作。在亮麗愉快的視覺質感中，單純而直觀地對於「記憶該是何樣貌？」提出想像。

2023 Art Central 展會現場。圖/非池中藝術網攝

本文挑選了10不同背景、不同形式內容的作品。試著在分享作品的同時，也從中梳理各方參展者的選件策略，進而從中觀察趨勢。

在本屆的 2023 Art Central 當中，可以明顯感受到香港本地所培養的藝術家正在積極發展自身品牌。無論是新生代或成熟、資深的藝術家們，都較過去更加活耀、形式也更加多元。而來自世界各地的藝廊，大多數分享的都是具有國際知名度、穩定成長的中生代藝術家。它們的作品的脈絡完整、辨識度高而經得起檢驗。惟較少見到實驗性、體現未知嘗試的的作品。場中也不乏甜美、輕鬆的作品，以愉快的感受性與觀眾們對話。

綜觀而言，後疫情時代下的香港藝術產業正在一步步回復榮景中。即便距離巔峰時期尚有一小段距離，但依舊展現出了一座藝術都市在策辦展會上的高水準。相信隨著疫情的趨緩，未來的Art Central 依舊後勢可期。

2023 Art Central 展會主視覺。圖/Art Central 官方網站提供

展會日期及開放時間

2023年3月22日（星期三），下午兩點至八點

2023年3月23日（星期四），中午十二點至八點

2023年3月24日（星期五），中午十二點至八點

2023年3月25日（星期六），上午十一點至六點

2023香港巴塞爾Art Basel HK現場聚焦，非池中16件嚴選作品解析！

2023-03-24

by LiLY H ART GALLERY with No Comment slider

2023香港巴塞爾Art Basel HK現場聚焦，非池中16件嚴選作品解析！

Art Basel 香港巴塞爾現場聚焦選件觀察

2023-03-22｜撰文者：林侑澂

全文來自非池中藝術網

隨著2023年巴塞爾藝術展香港展會 / Art Basel HK開幕，美麗的維多利亞港再次吸引了全球藝術界的目光。Art Basel HK長期做為東亞地區的藝博會風向球，經常是區域內觀眾們接觸全球藝術脈動的首選。無論是從後疫情時代的時間點或東亞藝博會版圖的發展來思考，Art Basel HK所呈現出來的每個現象都相當值得關注。

．展商名單及展區規劃請見＞香港巴塞爾開展倒數一個月！2019年以來最大規模，完整重量級展會內容強勢回歸

2023年巴塞爾藝術展香港展會 Art Basel HK 展會現場。圖/ 非池中藝術網攝

觀眾們進入藝博會所最期待的，是獲得新鮮的美感與知識性的啟發。綜觀本次各藝廊的選件，寫意、抽象性質的作品佔了絕大比例。半具象的風格成為主流。而純寫實的形式大約僅有10%（且明顯集中在日本畫廊）。戰爭或疫情等大範圍題材相對少見，多數聚焦於藝術家個人化的生命經驗與情感。可以想見在面對疫情之後首辦的Art Basel HK，參展藝廊們趨於保守、重視於感官的舒適，而減少了對於現實世界的討論。

然而無論外在的趨勢如何發展，藝術領域的討論必然回到作品自身。本文以「五年內的創作」為一個基準，努力平均各大類型，為讀者們挑選一些有意思的作品進行介紹。

【1B12．Gajah Gallery】

Rosit Mulyadi，《Romantic Liar (Pembohong Romantis)》，Oil on Canvas，150.0 x 200.0 cm，2023。圖/巴塞爾藝術展官方網站

來自印尼爪哇島的藝術家Rosit Mulyadi（1988-），藝術啟蒙於阿拉伯書法的學習（青年時在伊斯蘭宗教學校寄宿），接著進入藝術學院主修繪畫，並以新加坡為基地專職藝術創作。近年作品從古典的具象油畫出發，將經典作品與當代的文化現象並置。手繪的寫實、模糊化、馬賽克和文字標語，疊加出了豐富的視覺層次。以此風格對於移民、階級、婦女勞動、身體觀、身份和文化權力等等課題進行討論。從不同面向，表達自身對於社會的感受及嘲諷。作品《Romantic Liar (Pembohong Romantis)》當中反向的標語：WHATEVER A SUN WILL ALWAYS SING IS（NOT）YOU / 太陽所雋永歌頌的（不）是你，與經典英文詩詞連結。以一種含蓄又直率的態度鋪墊層次，進一步地提供不同背景觀眾一些換位思考的角度。

註：標語改寫自E.E.Cummings的詩詞《I carry your heart with me》。

【1B15．Hauser & Wirth】

Rita Ackermann，《No Time to Think》，Painting（Acrylic, oil and china marker on canvas），193.0 x 170.2 cm，2022。圖/巴塞爾藝術展官方網站

出生並成長於匈牙利的美國籍藝術家Rita Ackermann（1968-），自學生時代後就在紐約生活與創作。與許多移民者一樣，藝術家時刻關心著故鄉的現況，並且將其投注在創作之中。作品《No Time to Think》以「在黑板上作畫」、反覆擦除的思維，在畫面中留下了諸多繪畫的手感。也將這樣的視覺效果，與東歐戰爭邊緣的狀態相對應。藝術家以各種的筆觸與材質，在畫面中描繪槍枝、坦克、人物、爆炸甚至生殖器，組成了了一種壓迫而緊張的氛圍。躁動的構圖讓觀者感受某種沉重、無暇思考的氛圍。藉由激烈的構圖結構，反應著戰爭 / 戰爭邊緣中「沒有時間思考」的沉重痛覺。

【1B18．Arario Gallery】

Jinju Lee，《Act 3》，Painting（Powdered Pigment, Animal Skin Glue and Water on Unbleached Cotton），220.5 x 182.0 cm，2022。圖/非池中藝術網攝

韓國藝術家Jinju Lee（1980-）擅長將內在世界的私人記憶，轉換為具有詩意的畫面。甚至透過藝術實踐，不斷地強迫自身去面對、拆解難以名狀的痛感。一次次討論著現實、記憶、理想和本心之間的交互作用。作品《Act 3》以訂製的畫布形狀，呼應著戲劇性的構圖。透過具有時間性的三個破碎的片段，敘述著生命中三種私密的樣態。擷取了過去、現在與未來的切片，以微妙的透視方式疊加在了一起。即便可以辨識出人物的擁抱或生機盎然的植物，卻依舊具有明確的框架感。清淡的用色則是與壓抑的氣氛形成反差，讓觀者感受到厚重的孤獨與不安狀態。

【1B36．ASIA ART CENTER】

Shaw-Hwei Dong，《The Golden Days in Courtyard》，Painting（Oil on canvas），194.0 x 224.0 cm，2023。圖/非池中藝術網攝

台灣藝術家董小蕙（1962-）學經歷完整豐富，在教育界及藝術界均備受肯定。長期以來將歐洲印象派對於光影及色彩的思維，與東方世界中道家的莊子哲學相互融合。近年來從自生的生活環境出發，在日常中提煉出具有古典人文氣質的美感。「老院子」系列作品《The Golden Days in Courtyard / 金色年華》描繪著生活裡常見的盆景。在二維與三維空間之中，以一個類似窗框的視角望向植栽與器皿。構圖穩定而和諧，建構出一方怡然自得的恬靜美好。彷若在這個迅速變遷而紛亂的世界中，輕聲訴說的那份永遠值得追求的身心平衡狀態。

【1C09．Thaddaeus Ropac】

Ali Banisadr，《Axe to the frozen sea within us》，Painting（Oil on linen），208.3 x 304.8 cm，2021。圖/巴塞爾藝術展官方網

來自伊朗、在兩伊戰爭後舉家移民美國的中生代藝術家Ali Banisadr（1976-），擅長在抽象的結構裡融合視覺、聽覺、觸覺以及記憶。並且將神話故事與數位世界的意象銜接，寄託著一則則的寓言故事。作品《Axe to the frozen sea within us》在灰階的色相中，激烈與破碎的筆觸相互對抗又彼此融合，形成了某種視覺上的循環。描繪著是藝術家「用巨斧劈開心中冰凍的海洋」的想像。期望在冰層融化的過程中，能夠融化（個體或群體）意識裡被冰封的、難以面對的記憶。甚或期許在混亂之中，探詢某種動態裡的平衡狀態。

【1C15．David Zwirner】

Jordan Wolfson，《Untitled》，UV print on plywood and Dibond aluminum with gloss coat, zippers, vinyl leather, and oxide coated steel U-shaped bolts，253.1 x 181.9 x 46.4 cm，2023。圖/非池中藝術網攝

擅長以機械裝置組構人體、討論虛擬與現實關係的美國藝術家Jordan Wolfson（1980-）於展會中發表了新系列的裝置作品。延續著人類意識在虛實之間的定位討論，在作品《Untitled》之中大膽使用了人工智能生成、數位動畫、虛擬實境和全息顯示器的技術。印地安人、太極符號、CHOICE / 選擇字樣、蘋果、鐵鍊和貓咪幾乎毫無道理地並置在一起。運用時下迅速發展的科技，組構了某種隨機而精緻的質感。在看似亮麗的感官效果之中，融合了流行與本土（香港）文化。與對於這個看似理性，實質上複雜而緊張的科技世界，表達了某種既荒誕又真實的側寫。

【1D06．Galerie Eigen + Art】

Tim Eitel，《Equipe de Tournage》，Painting（Oil on canvas），190.0 x 150.0 x 4.0 cm，2021。圖/巴塞爾藝術展官方網站

具有哲學和文學學院背景的德國藝術家Tim Eitel（1971-），繪畫大多取材自生活中的場景。長期以來的創作被認為是「新萊比錫學派」與社會寫實融合的指標。近年作品的視覺語彙趨於精煉，更加擅用幾何思維和大塊面的純色架構畫面。這樣的創作方式，讓都市中的人物與景觀，無可避免地指向精神世界的內省。作品《Equipe de Tournage》創作於疫情時期個隔離生活。在描繪一個採訪、現實工作的同時，也在上方鋪陳了非現實的倒影 / 剪影。現實與超非現實的切換，形成了微妙、不可辨識的抽離感。以此記錄下了藝術家在流行病期間的孤獨、不安以及無奈。

【1D14．Pace Gallery】

Kylie Manning，《What stays with us, and what falls behind》，Painting（oil on linen），203.2 x 299.7 cm，2022。圖/巴塞爾藝術展官方網站

來自美國的藝術家Kylie Manning（1983-）生活經歷豐富，在阿拉斯加的漁船上、墨西哥的衝浪板上、紐約的藝術學院和萊比錫的畫室中養成。藝術家以嚴格的古典油畫技法作畫，最終以輕薄透明的方式呈現，建構出遼闊而具有空氣感的視覺風格。作品《What stays with us, and what falls behind》在超現實的構圖中，反應了藝術家自由熱情的個性。作品的取材聚焦於女性主義與酷兒文化，對於身體觀有著細膩地詮釋。並且以嶄新的方式，詮釋古典繪畫和文學中的經典。透過非常主觀的敘事手法，反覆思辨著個體在當代社會中自我定位的方式。

【1D15．Galerie Urs Meile】

Rebekka Steiger，《賞石(Kitsune)》，Painting（tempera and Acrylic ink on canvas），200.0 x 150.0 cm，2023。圖/巴塞爾藝術展官方網站

廣受矚目的瑞士青年藝術家Rebekka Steiger（1993-），熱衷於多種媒材與技法的學習。同時也對於世界各地的傳統文化，懷抱著興趣進行研究。在創作時往往從肌理與材料的實驗入手，再透過視覺的聯想進一步建構劇情。作品《賞石(Kitsune)》描繪的是在日本與中國神話中，經常被投射為神靈的狐狸。除了九尾、人形、女性和華麗的意象外，藝術家也將狐狸與日本國家公園中「殺人石破裂」的故事相連。相當有意思地，藝術家運用了鮮紅與鮮綠配色。並且在氤氳飄渺的暈染效果中，呈現出在歐洲視點下的亞洲傳說神秘樣貌。

【1D17．Ora-Ora】

Stephen Thorpe，《A Mythical Intersection Between Two Worlds》，Painting（Oil on canvas），152.0 x 132.0 cm，2023。圖/巴塞爾藝術展官方網站

畢業於倫敦皇家藝術學院的英國藝術家Stephen Thorpe（1981-），近年任職於香港。藝術家擅長組織鮮豔明快的色彩，並且將版畫漸層、水墨皴法和古典油畫融合，形成超現實的空間氛圍。藉由解構重組自身在80 / 90年代成長的記憶，對於個體和群體的潛意識進行探詢。作品《A Mythical Intersection Between Two Worlds》參照了兩個不同背景的神話系統，將電玩機台、水墨花鳥和個人的超現實符號（香菇或樹果）並置於構圖。反覆在光與暗、生與死、意識與潛意識、荒蕪與新生、內在與表象、現實與神話等等二元關係上，進行某種醞釀。作品如同沒有自我的自畫像，藉由不斷的對照，視著進行某種自我釐清。

【1D18．Yavuz Gallery】

Abdul Abdullah，《Hi hello》，Painting（Oil on linen），102.0 x 76.5 cm，2023。圖/巴塞爾藝術展官方網站

藝術家Abdul Abdullah（1986-）的先祖200年前搭乘囚犯船移居澳洲，而馬來西亞 / 英國 / 澳洲混血的背景與伊斯蘭教信仰，同樣相對複雜。這樣的多重身分，讓藝術家的成長過程面對過許多敵意。甚至對於局內人 / 局外人的狀態，產生過自我混淆。於是在藝術創作中，藝術家廣泛使用繪畫、攝影、裝置、表演與錄像的形式，專注處理社會處境與自我認同的課題。曾經發表過一系列激烈的控訴型作品。然而新作品《Hi hello》在寫實與塗鴉之間，表達了一種清新而友善的氣氛。以類似自畫像的思維，表述著如今藝術家在面對種族、階級和宗教問題時，漸漸成熟而堅強的態度。

【3C01．Galerie Christophe Gaillard】

Hélène Delprat，《La guerre élégante》，Pigment, glitter, acrylic on canvas，245.0 x 970.0 x 5.0 cm，2020。圖/非池中藝術網攝

法國重要的藝術家Hélène Delprat（1957-）的創作軌跡奠基於嚴謹的人文學養。長期以獨特的觀點，進行古希臘文學、浪漫主義小說、黑色電影等學科的研究，並且在法國美術學院任教。創作的媒材多元，繪畫、攝影、雕塑、裝置和錄像均為其擅長的領域。作品《La guerre élégante》意即「優雅的戰爭」，源於對故鄉軍人墓地的記憶。白色十字架、墓碑上士兵的年齡和紀念標語所留下的印象，與大量的文獻符號交疊。這些印象的投射，被轉化成了兵器、老鷹、旗幟和圖騰的樣貌。巨大的尺幅引導著觀眾的身體感，讓意識隨著畫面身歷其境。從精細到奔放的豐富筆觸，組構出了畫面的層次感。螢光與低彩度並列的用色，則在視覺與精神之間取得了一種有趣的平衡感。戰爭 / 戰場並不優雅，於是藝術家在激烈卻抽離的氣質裡，提出了對於歷史的深切省思。

【3C14．A Thousand Plateaus Art Space】

陳秋林Chen Qiulin，《溺 / Drown》，綜合媒介現場專案（錄影，裝置，行為表演，聲音創作，攝影等），2021。圖/巴塞爾藝術展官方網站

藝術家陳秋林（1975-）成長於重慶，自四川美術學院畢業後、在成都與北京進行藝術活動。於自2003年開始，藝術家將深具東方意象的豆腐，由食物轉換為自身的藝術語彙。作品《溺 / Drown》邀請舞蹈家鄭媛芫和音樂家陳弘禮合作，在整體項目裡進行多形式的敘事。其輕柔的灰階質感，緩緩地討論生活中沉重而真實的課題。從COVID-19出現後，人們的生活遭受巨大衝擊。疫情難易避免地引發了未知感，焦慮與衝突迫使人們陷入恐懼、必需進一步重新思考「生存」為何物。在中國傳統文化中，女性身份往往是脆弱、壓抑甚至禁錮的。而此一狀態在疫情期間，似乎顯得更加明顯。作品中的女性軀體陷入豆腐之中，在模具（框架）裡承受重量、交纏、掙扎，有如一場在當代社會中、疫情之下的生存戰。

【3C17．Zilberman Gallery】

Sandra Del Pilar，《Who am I and how much?》，Mixed Media（Acrylic and oil on canvas and transparent synthetic fibers），195.0 x 305.0 cm，2019。圖/巴塞爾藝術展官方網站

來自墨西哥的藝術家Sandra del Pilar (1973-)擅長在薄至半透明的布料上，層層疊合出半透明交疊的作品質感。讓作品在觀者的身體與視線位移時，形成了類似光柵片的動態效果。在這個虛幻與現實交錯的視覺之中，形成了一種不斷自我詰問的氛圍。巨幅作品《Who am I and how much?》描繪了多組時間點、比例與視角不同的人物，彼此抽離卻又顯得息息相關。而在細節處所標註的「美元價格」，反應著在資本主義蓬勃發展的社會中，幾乎萬物都可以被標價來衡量其價值的現象。而在這樣的被鏡中生存的我們究竟是誰？又究竟應該要如何標價呢？

【3D06．Zeno X Gallery】

Martin Margiela，《Torso III》，Sculpture（silicone, polyurethane foam, wood core Edition 2/3），145.0 x 50.5 x 39.4 cm，2018 – 2021。圖/非池中藝術網攝

具有時裝設計背景的比利時藝術家Martin Margiela（1957-），同時擅長繪畫、影像及裝置藝術。在成為專職藝術家之後同時以巴黎、布魯塞爾為據點、活耀於藝壇。作品《Torso III》以藝術家觀點與古希臘的雕塑傳統進行對話。在古典中，男性的軀體經常是追求強壯、完美與神聖性的理想化符號。而此系列，則是透過分割與拼貼擷取了局部的身體，並且在不同版本中以不同膚色呈現。以矽膠等等材質，重新解構了「理想性」的概念。經由局部的剖面感受軀體，呈現出並不完美，卻更顯深邃的一種立體型態。

【3D32．Nova Contemporary】

Kawita vatanajyankur，（Left）《The Pendulum》，Video/Film Single Channel，4K Video，3m，2023 / （Right）《Scale of Injustice》，Video/Film Single Channel，4K Video，8.3m，2021。圖/非池中藝術網攝

來自泰國、在澳洲完成藝術學位的藝術家Kawita vatanajyankur（1987-），於展會中發表了《The Pendulum / 鐘擺》和《Scale of Injustice / 非公正天秤》兩件作品。以不同的角度，詮釋對於泰國和印度兩國農業現況的田野調查。在棉花田裡，藝術家觀察到傳統農業這個本來就弱勢的產業，在面對機械農具時更加艱困的處境。作品將自身的身體做為物件，乏味、艱苦而重複地進行農作。對於身體農作即將被機械取代、傳統農業必須與資本抗衡的現況，表達了憂慮與無奈。強烈的紅色視覺如同警示燈一般，將當代藝術做為途徑，提醒不斷追求效率、要求KPI的世界，也該重視被趨勢所壓迫的族群。

2023年巴塞爾藝術展香港展會 Art Basel HK 展會現場。圖/ 非池中藝術網攝

在亞洲國際級藝術博覽會版圖重組的背景之下，本屆的 Art Basel HK 展現出了強大的執行力與企圖心。雖說尚受到疫情餘波和區域情勢的限制，距離展會最大規模的紀錄也還有些許距離，但依舊不妨礙其指標級的定位。進入展場之中，觀眾們依舊可以獲得許多、有別以往的美學與知識性收穫。待公眾開放之後，銷售等等現象與趨勢也同樣是值得關注的課題。非池中藝術網也必將持續追蹤，為讀者們提供最前線的報導與評論。

展會資訊

*台灣參展2023年Art Basel Hong Kong的８間藝廊分別為：耿畫廊 / 尊彩藝術中心 / 大未來林舍畫廊 / 安卓藝術 / 索卡藝術 / TKG⁺ / 亞洲藝術中心 / 伊日藝術計劃

貴賓預展（憑邀出席）　

2023年3月21日（星期二）中午12時至晚上8時

2023年3月22日（星期三）中午12時至下午5時

2023年3月23日（星期四）中午12時至下午2時

2023年3月24日（星期五）中午12時至下午2時

2023年3月25日（星期六）上午11時至中午12時

開幕之夜

2023年3月22日（星期三）下午5時至晚上9時

公眾開放

2023年3月23日（星期四）下午2時至晚上8時

2023年3月24日（星期五）下午2時至晚上8時

2023年3月25日（星期六）中午12時至下午6時